Olivier Assayas est de retour !
Dans le cinéma français moderne, rares sont les réalisateurs capables de vous rappeler les classiques du cinéma Nouvelle Vague des années 1960 comme Les 400 coups ou Ma nuit chez Maud. Avec un style Rohmer-esque, Olivier Assayas est le réalisateur qui s'en rapproche le plus avec un penchant politique et philosophique qui fait un usage intéressant du visuel tout en faisant du dialogue la principale arène du conflit. Même avec toute la nostalgie qu'Assayas peut provoquer, il ne vénère pas ces réalisateurs comme des idoles et aborde plutôt leurs lacunes et les faiblesses du cinéma moderne en général. C'est ce qui a fait de lui un réalisateur vedette des années 1990 et sa nouvelle mini-série, Irma Vep, avec Alicia Vikander, s'avère être une analyse encore plus approfondie de la société, du cinéma et de l'identité. Pour ceux qui ne peuvent pas en avoir assez de cette mini-série, voici une liste que vous apprécierez à coup sûr!
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Le seul choix vraiment évident à regarder après la mini-série de remake est le chef-d'œuvre original, Irma Vep. Mettant en vedette sa femme de l'époque et légende d'acteur de Hong Kong, Maggie Cheung (In the Mood for Love) dans un rôle extrêmement méta en tant qu'actrice chinoise célèbre pour ses rôles dans des films d'action qui vient en France pour jouer dans un remake de Les Vampires et à la place trouve un ensemble plein de drame, de folie et de médiocrité. Alors que sa nouvelle mini-série sert de démontage de l'état d'Hollywood aujourd'hui, son film original aborde le cinéma français et son étrange obsession pour l'auteur ainsi que le prix de la célébrité. Avec des performances fabuleuses de Cheung et de Jean Pierre Leaud (The 400 Blows), c'est un incontournable!
Le seul autre projet qu'Assayas a transformé à la fois en mini-série et en film édité, Carlos est une épopée politique qui vous emmène à travers les décennies de la guerre froide et à travers le monde. Le film est centré sur le célèbre terroriste politique vénézuélien, Carlos le Chacal (Edgar Ramirez), et sa naissance en tant que combattant du Front populaire de libération de la Palestine et son évolution en tant que fondateur d'une organisation terroriste mondiale. Bien que beaucoup ne connaissent pas Carlos, Assayas le décrit comme une sorte de version terroriste de Forrest Gump, un gars des coulisses qui semble se présenter aux endroits et aux moments les plus importants de l'histoire de la guerre froide. Dans un film qui montre une autre facette de la guerre froide, Assayas prouve à quel point l'histoire peut être dramatique !
Dans un autre grand véhicule de Maggie Cheung, le réalisateur Stanley Kwan infuse un documentaire du show business avec un biopic élaboré. Center Stage se concentre sur la vie de la légende chinoise du cinéma muet Ruan Lingyu (Cheung) alors qu'elle sort d'un milieu modeste, devient une star et se tue malheureusement dans ce que certains pensent être une réponse directe aux commérages accablants et insidieux des tabloïds. L'autre moitié du film présente des entretiens avec Cheung, d'autres acteurs et des personnes qui connaissaient Lingyu alors qu'ils parlent de ce que son statut de légende signifie pour eux. Pour un autre film qui examine la nature de la célébrité avec des méta-tactiques et des visuels nostalgiques, consultez Center Stage.
Dans cet examen du processus artistique, Assayas nous a donné un examen psychologique intense de la performance et de l'identité. Clouds of Sils Maria commence lorsque l'actrice vétéran Maria (Juliette Binoche) accepte un rôle dans la pièce qui l'a rendue célèbre, mais cette fois en tant que femme âgée et désespérée et non en tant que jeune fille puissante qu'elle jouait à l'origine. Acceptant son âge, son assistante personnelle Valentine (Kristen Stewart) répète avec elle et commence à voir comment l'art et la vie ne font qu'un. Assayas livre une histoire si désorientante que nous commençons même à nous demander ce qui est réel dans le film et ce qui est simplement une pièce de théâtre.
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Le film ultime sur la réalisation d'un film, Day for Night est le chef-d'œuvre de François Truffaut. Ce classique de 1973 suit un casting et une équipe qui tentent de faire un film sur l'adultère mais qui ont du mal à le terminer pour une myriade de raisons professionnelles et personnelles. Jean-Luc Godard a peut-être tourné en dérision le film comme étant un portrait trompeur et inexact du cinéma, on ne peut s'empêcher de s'en enivrer. Peut-être que le film promeut un mensonge, mais avec des scénarios dramatiques joués par Jean Pierre Leaud, Jacqueline Bisset et Valentina Cortese, c'est le plus beau mensonge que vous verrez jamais.
Bien que Robert Altman ait été un réalisateur phare dans les années 1970, les années 80 ont vu sa carrière ralentir jusqu'en 1992, date à laquelle il a réalisé ce thriller méta-comédie. Le joueur suit un cadre hollywoodien nommé Griffin Mill (Tim Robbins) qui reçoit des menaces de mort de la part d'un écrivain dont il a rejeté le scénario. Son seul problème est qu'il ne sait pas lequel. Ayant été évité après sa bombe au box-office, Popeye, Altman était bien conscient de la façon dont Hollywood pouvait être toxique et impitoyable et sa perspective perce à travers l'écran. Rempli de sensations fortes et de blagues àaux dépens de l'industrie cinématographique, c'est l'un des démontages les plus mordants d'Altman!
En 2014, Alicia Vikander a explosé dans la culture mainstream en réalisant quatre films, mais celui qui a le plus marqué est Ex Machina. Le film suit Caleb (Domhnall Gleeson), un programmeur invité par son PDG (Oscar Isaac) à administrer le test de Turing à un robot humanoïde intelligent, Ava (Vikander). L'épopée de science-fiction d'Alex Garland nous pose deux questions : les robots IA ont-ils les mêmes sentiments que les humains et si oui, peut-on leur faire confiance ? Il peut être difficile de répondre à ces questions, mais ces questions méritent certainement notre attention et la présence de Vikander nous laisse deviner.
Autre cinéaste français qui a choisi d'examiner la culture hollywoodienne, The Artist de Michel Hazanavicius est le deuxième film muet à remporter l'Oscar du meilleur film. Le film raconte l'histoire d'une star fictive du cinéma muet George Valentin (Jean Dujardin) dont la carrière commence à s'effondrer à mesure que les images parlantes arrivent. Pour ajouter l'insulte à l'injure, la jeune femme qu'il aime et dont il a fait carrière, Peppy Miller (Bérénice Bejo), obtient enfin sa grande chance. Dans ce qui semble être une réponse cinématographique à la version plus optimiste de cette histoire décrite dans Singin' in the Rain, The Artist offre une représentation plus réaliste et parfois difficile à regarder de la façon dont Hollywood vous engloutit et vous recrache. dehors.
Il est difficile de trouver un meilleur film noir qui examine la culture hollywoodienne et la peur d'être oublié avant même d'avoir rendu son dernier souffle. Sunset Boulevard commence lorsque des officiers et des photographes du LAPD trouvent le corps du scénariste Joe Gillis (William Holden) flottant sans vie dans une piscine. Le reste du film est un flashback raconté du point de vue de Joe alors qu'il détaille comment son association avec une star vieillissante du cinéma muet, Norma Desmond (Gloria Swanson) a conduit à sa mort prématurée. Parfois, l'histoire semble tout droit sortie de Great Expectations de Charles Dicken et à d'autres de Double Indemnity de James M Cain tout en conservant un dynamisme cinématographique difficile à catégoriser.
Federico Fellini a peut-être réalisé de nombreux chefs-d'œuvre dans sa carrière mais c'est 8 ½ qui reste synonyme de démarche artistique et de metteur en scène lui-même. 8 ½ suit Guido Anselmi (Marcello Mastroianni), un réalisateur qui se retrouve face à un cas fatal de blocage de l'écrivain alors qu'il s'apprête à tourner son neuvième film. Les médecins l'examinent et l'exhortent à se faire soigner en vain, le personnel fait des heures supplémentaires sur des décors et des costumes qu'ils ne savent pas s'ils utiliseront, et sa maîtresse et sa femme se disputent son attention. Le film devrait être aussi désordonné que la vie de cet homme, mais au lieu de cela, Fellini prend ce moment calamiteux comme une occasion d'examiner son passé et l'avenir du cinéma.
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